11.1 LERNERGEBNISSE

Nach Abschluss dieses Kapitels sollten Sie in der Lage sein:

• Verstehe, warum Kunst und Ethik miteinander verbunden sind
• Identifizieren Sie Kunstwerke, die aufgrund ihrer Nichteinhaltung der Gesellschaftsethik zensiert wurden
• Geben Sie an, warum sich ethische Werte im Laufe der Zeit von der Gesellschaft ändern
• Formulieren Sie, warum einige gesellschaftliche Gruppen einige Kunstwerke als kontrovers betrachten
• Identifizieren Sie ethische Überlegungen bei der Verwendung der Kunstwerke anderer durch den Künstler, die Materialien, die zur Herstellung von Kunst verwendet werden, die Manipulation eines Bildes, um seine Bedeutung oder Absicht zu ändern, und die moralischen Verpflichtungen des Künstlers als Beobachter
• Identifizieren Sie Rollen, die Museen bei der Erhaltung, Interpretation und Präsentation kulturell bedeutender Objekte spielen

11.2 EINLEITUNG

Dieses Kapitel befasst sich mit der Wahrnehmung, Anfälligkeit und Ethik der Kunst. Es wird die moralische Verantwortung von Künstlern und ihre Rechte, ohne Zensur zu vertreten und zu schaffen, untersuchen und analysieren.

Moral und Kunst sind normalerweise in der Kunst verbunden, die provoziert und stört. Diese Kunst weckt die persönlichen Überzeugungen, Werte und Moralvorstellungen des Künstlers oder Betrachters aufgrund dessen, was dargestellt wird. Werke, die eine Botschaft absichtlich verfolgen oder stark kommunizieren, können zu Kontroversen führen: Kontroversen über die Rechte der künstlerischen Freiheit oder darüber, wie die Gesellschaft Kunst bewertet. Dieses Urteil über Werke von Künstlern hat mit dem Werturteil der Gesellschaft in einer bestimmten Zeit in der Geschichte zu tun.

Die Beziehung zwischen Künstler und Gesellschaft ist eng miteinander verbunden und manchmal widersprüchlich, wenn es um Kunst und Ethik geht. Keiner muss jedoch für den anderen geopfert werden, und keiner muss sich dem anderen beugen, um die Botschaft des Werks zu kreieren oder zu vermitteln. Kunst ist subjektiv: Sie wird von verschiedenen Menschen auf unterschiedliche Weise aufgenommen oder interpretiert. Was für einen unethisch sein kann, kann für einen anderen ethisch sein. Weil Kunst subjektiv ist, ist sie anfällig für ethisches Urteilsvermögen. Es ist am anfälligsten, wenn die Gesellschaft keinen historischen Kontext oder kein Verständnis von Kunst hat, um den Inhalt oder die Ästhetik eines Werks zu schätzen. Dieser Mangel macht ein ethisches Urteil nicht falsch oder irrational; es zeigt, dass sich die Wertschätzung von Kunst oder Stilen im Laufe der Zeit ändert und dass neue oder andere Kunst oder Stile geschätzt werden können. Der allgemeine negative Geschmack der Gesellschaft ändert sich normalerweise mit zunehmender Exposition. Trotzdem bleibt der Geschmack subjektiv.

Ethik war im Laufe der Geschichte eine wichtige Überlegung der Öffentlichkeit und derjenigen, die religiöse oder politische Macht haben. Für viele Künstler ist heute die erste und wichtigste Überlegung nicht die Ethik, sondern die Plattform, auf der die Botschaft durch formale Qualitäten und das Medium geschaffen und vermittelt werden kann. Die Berücksichtigung der Ethik kann vom Künstler festgelegt werden, jedoch ohne Behinderung der freien Meinungsäußerung. Es wird erwartet, dass in einem Kunstwerk die eigenen Überzeugungen, Werte und Ideologien eines Künstlers im Gegensatz zu gesellschaftlichen Werten stehen können. Es ist die Kunst, die spricht und dem, was kommuniziert wird, einen Qualitätswert hinzufügt. Dies macht die Kraft des freien künstlerischen Ausdrucks so wichtig. Die Kunst wird nicht danach beurteilt, wer das Werk oder den Charakter des Künstlers geschaffen hat, sondern anhand der Verdienste des Werks selbst.

Durch diesen visuellen Dialog zwischen Künstler und Gesellschaft muss jedoch ein gewisses gegenseitiges Verständnis geschaffen werden. Die Gesellschaft muss verstehen, dass die Meinungsfreiheit in den Künsten die Größe fördert, während die Künstler die Disposition der Gesellschaft berücksichtigen und offen dafür sein müssen. Wenn die Öffentlichkeit Kunst als eine positive geistige und physische Ergänzung der Gesellschaft schätzt und der Künstler mit ethischen Absichten schafft, besteht eine Verbindung zwischen Betrachter und Schöpfer. Die Darstellung eines Themas durch einen Künstler bedeutet nicht, dass der Schöpfer das präsentierte Thema gutheißt oder ablehnt. Der Zweck des Künstlers ist es auszudrücken, unabhängig davon, wie das Thema interpretiert werden kann. Diese Interpretationsfreiheit bedeutet jedoch nicht, dass weder der Künstler noch die Gesellschaft die Verantwortung für ihr Handeln tragen.

Kunst und Ethik verlangen in dieser Hinsicht, dass Künstler ihre intellektuellen Fähigkeiten nutzen, um eine echte Ausdrucksrepräsentation zu schaffen oder psychologische Bedeutung zu vermitteln. Diese Art von Kunst erfordert die Fähigkeit des Betrachters, von vielen Gefühlen des Künstlers bewegt zu werden. Es erfordert die Kraft der Kunst, äußere Erscheinungen zu durchdringen und verborgene Gedanken und Interpretationen der momentanen oder permanenten Emotionen einer Situation zu erfassen und einzufangen. Während Künstler visuelle Bilder erstellen, aufnehmen und für ihre Betrachter interpretieren, geben sie ihnen auch ein unfehlbares Maß für die eigene moralische oder ethische Sensibilität der Künstler.

Ethische Dilemmata sind in der Kunstwelt keine Seltenheit und ergeben sich häufig aus der Wahrnehmung oder Interpretation des Inhalts oder der Botschaft des Kunstwerks. Provokative Themen wie Spiritualität, Sexualität und Politik können und können auf vielfältige Weise interpretiert werden und Debatten darüber provozieren, ob sie unethisch oder ohne Moral sind. Als beispielsweise der Dada-Künstler Marcel Duchamp (1887-1968, Frankreich) 1917 den Brunnen schuf, wurde er von zeitgenössischen Kennern der Künste und der Öffentlichkeit zensiert und abgelehnt. ( Brunnen, Marcel Duchamp ) Ein auf die Seite gedrehtes Männerurinal. Duchamp betrachtete dieses Werk als eines seiner vorgefertigten, hergestellten Objekte, die von ihm als Kunst bezeichnet oder bezeichnet wurden. Heute ist der Brunnen eines der berühmtesten Werke von Duchamp und gilt weithin als Ikone der Kunst des 20. Jahrhunderts.

In jüngerer Zeit schockierte die Heilige Jungfrau Maria von Chris Ofili (* 1968 in England) die Zuschauer, als sie in die Sensation- Ausstellung 1997-2000 in London, Berlin und New York aufgenommen wurde. ( Die Heilige Jungfrau Maria , Chris Ofili) Das Bild verursachte erhebliche Empörung bei einigen Mitgliedern der Öffentlichkeit im ganzen Land, einschließlich des damaligen Bürgermeisters von New York City, Rudolph Giuliani. Mit seinen collagierten Bildern von Frauengesäß, glitzernder Farbe und aufgetragenen Kugeln aus Elefantenmist hielten viele das Gemälde für blasphemisch. Ofili erklärte, das sei nicht seine Absicht; Er wollte sowohl die heilige als auch die weltliche, sogar sinnliche Schönheit der Jungfrau Maria anerkennen und dass der Mist im Heimatland seiner Eltern, Nigeria, Fruchtbarkeit und die Macht des Elefanten symbolisierte. Trotzdem und wahrscheinlich ohne Kenntnis der Bedeutung des Künstlers waren die Menschen empört.

Traditionell wurde Ästhetik in der Kunst mit Schönheit, Genuss und der visuellen, intellektuellen und emotionalen Faszination des Betrachters in Verbindung gebracht. Skandalöse Kunst mag nicht schön sein, aber sie könnte sehr gut Spaß machen und einen gefangen halten. Der Betrachter wird aufgenommen und von etwas angezogen, das weder Routine noch Gewöhnliches ist. Alle werden als bedeutungsvolle Erfahrungen angesehen, die für die bildenden Künste charakteristisch sind. Ästhetisches Urteilsvermögen geht Hand in Hand mit Ethik. Es ist Teil des Entscheidungsprozesses, den Menschen verwenden, wenn sie ein Kunstwerk betrachten und entscheiden, ob es „gut“ oder „schlecht“ ist. Der Prozess der ästhetischen Beurteilung ist ein konzeptionelles Modell, das beschreibt, wie Menschen über die Qualität der geschaffenen Kunstwerke entscheiden und für sie individuell oder gesellschaftlich eine ethische Entscheidung über ein bestimmtes Kunstwerk treffen.

Wie wir sehen können, hat Kunst zweifellos die Kraft gehabt, zu schockieren, und als Quelle sozialer Provokation wird Kunst weiterhin ahnungslose Betrachter schockieren. Das Publikum wird sich weiterhin von Kunst skandalisiert, verstört oder beleidigt fühlen, die sozial, politisch und religiös herausfordernd ist. Wie bereits erwähnt, als skandalös oder radikal angesehen zu werden, beeinträchtigt weder das Erleben oder die Wertschätzung der Kunst, noch sprechen solche Reaktionen für die Ethik oder Moral des Künstlers. Kunst kann jedoch in manchen Augen versagen, eine ästhetische Erfahrung zu bieten. Ein solches Versagen hängt auch von der komplexen Beziehung zwischen Kunst und Betrachter ab, die in einem bestimmten Moment lebt.

11.3 ETHISCHE ÜBERLEGUNGEN ZUR HERSTELLUNG UND VERWENDUNG VON KUNST

11.3.1 Aneignung

Künstler wurden immer von der Arbeit anderer Künstler inspiriert; Sie haben kompositorische Mittel ausgeliehen, Stilelemente übernommen und narrative Details aufgegriffen. In solchen Fällen bezieht der Künstler diese Aspekte der Arbeit eines anderen in sein eigenes kreatives Bestreben ein. Aneignungbedeutet andererseits, vorhandene Objekte oder Bilder aufzunehmen und sie ohne oder mit nur geringen Änderungen in oder als eigenes Kunstwerk zu verwenden. Während des gesamten 20. Jahrhunderts und bis heute wurde die Aneignung eines Objekts oder Bildes als legitime Rolle für Kunst und Künstler angesehen. Im neuen Kontext wird das Objekt oder Bild neu kontextualisiert. Dies ermöglicht es dem Künstler, die ursprüngliche Bedeutung des Werks zu kommentieren und ihm eine neue Bedeutung zu verleihen. Der Betrachter, der das Originalwerk erkennt, überlagert zusätzliche Bedeutungen und Assoziationen. Dadurch wird die Arbeit zum großen Teil aufgrund der Absicht des Künstlers anders.

Sherrie Levine (* 1947 in den USA) hat ihre Karriere damit verbracht, die Zuschauer dazu zu bewegen, Fragen zu stellen, welche Veränderungen stattfinden, wenn sie ein bekanntes Kunstwerk reproduziert oder geringfügig verändert. Zum Beispiel fotografierte Levine 1981 Bilder von Walker Evans (1903-1975, USA), die in einem Ausstellungskatalog reproduziert worden waren. ( After Walker Evans: 4 , Sherrie Levine ) Sie betitelte ihre Serie After Walker EvansEvans wird als Schöpfer der „originalen“ fotografischen Werke anerkannt. Und sie erklärte offen, der Katalog, der Reproduktionen von Evans ‚Fotografien enthielt, sei die Quelle für ihre eigenen „Reproduktionen“. Levine schuf ihre Fotografien, indem sie die reproduzierten Fotografien im Ausstellungskatalog fotografierte; Die Fotografien im Katalog waren Reproduktionen der Fotografien in der Ausstellung.

Besucher der Ausstellung, die mit Evans ‚Darstellungen von Alabama-Aktienfamilien vertraut waren, die während der Weltwirtschaftskrise um ihren Lebensunterhalt kämpften, wurden aufgefordert, Levines Fotografien wie diese von Allie Mae Burroughs mit dem Titel After Walker Evans: 4 anzusehenunabhängig von ihrer historischen, intellektuellen und emotionalen Bedeutung. Welche Geschichte erzählte das Foto ohne diese Verbindungen? Hatte das Foto selbst eine Bedeutung oder ist seine Botschaft die Summe der Bedeutungen, die der Betrachter ihm zuschreibt? Levines Arbeit in den 1980er Jahren war Teil der postmodernen Kunstbewegung, die kulturelle Bedeutung über individuelle Bedeutung in Frage stellte: War es möglich, Kunst in so breiten Kategorien länger zu betrachten, oder gibt es so etwas wie eine vereinbarte universelle Bedeutung? Sie stellte auch Vorstellungen von „Originalität“, „Kreativität“ und „Reproduktion“ in Frage. Welches Produkt kann wirklich den Denkprozessen und Bemühungen eines Individuums zugeschrieben werden, ohne dass ein Kollektiv von Einflüssen dazu beiträgt? Wenn es keine gibt, können wir nicht sagen, dass etwas ein Originalkunstwerk ist. entspringt einer einzigen Quelle der Kreativität, wonach alle nachfolgenden Werke Reproduktionen sind. Einer ist nicht authentischer oder wertvoller als der andere.

1993 wurde Levine vom Philadelphia Museum of Art eingeladen, als erster Künstler an Museum Studies teilzunehmen , einer Reihe zeitgenössischer Projekte: „Neue Werke und Installationen, die von Künstlern speziell für das Museum geschaffen wurden.“ Levine erstellt sechs durchscheinende weißes Glas „Reproduktionen“ eine 1915 Marmorskulptur von Constantin Brancusi (1876-1957, Rumänien) mit dem Titel Newborn mich . ( Crystal Newborn , Sherrie Levine ) Sie betitelte 1993 ihre Arbeit Crystal Newborn ; es wird hier zusammen mit Black Newborn von 1994 gezeigt. ( Crystal Newborn und Black Newborn , Sherrie Levine ) Beide Werke sind aus gegossenem Glas, was im Fall von Black Newborn der Fall istwurde sandgestrahlt. ( Schwarzes Neugeborenes , Sherrie Levine )

Ähnlich wie bei ihrem Foto von 1981, After Walker Evans: 4 , sollen diese Arbeiten Vorstellungen davon untersuchen, ob etwas ein Original oder stattdessen eine Reproduktion ist. So wie ihre früheren fotografischen Reproduktionen von Evans ‚Werken selbst reproduziert werden konnten, waren auch diese Glasarbeiten Teil einer Serie; Levine goss insgesamt zwölf Versionen aus einer (Original?) Form. Obwohl Skulpturen wie Brancusis Newborn I., wird in der Regel auf einem Sockel oder Ständer ausgestellt, der das Werk auf eine bequeme Betrachtungshöhe hebt und von seiner Umgebung trennt. Levine ließ ihr Werk auf einem Flügel ausstellen. Dadurch wurde die Einstellung von einem konventionelleren, erwarteten, aber bewusst neutralen Anzeigemodus, dem Sockel, zu einem nuancierteren, domestizierten und dennoch raffinierteren Ton einer polierten Klavierplatte geändert. Sie wollte, dass sich der Unterschied im Kopf des Betrachters bemerkbar macht und die Reaktion des Betrachters auf die Arbeit beeinflusst, einschließlich des Denkens an den Kontrast: Die typische Museumsausstellung ist männlich, dh Teil der männlichen Welt der wohlhabenden Sammler und Mitglieder des Museumsvorstandes. Das Klavier hingegen erinnert an die weibliche Welt des komfortablen und komfortablen Zuhauses – es ist schließlich eine Skulptur eines Neugeborenen. Aber die kühle, glatte, harte Oberfläche von Levines Glas,

Levine hat enorme Ähnlichkeiten mit den Werken vor ihr, die sie sich aneignet, aber sie öffnet ihre angesammelten Bedeutungen für noch mehr neue.

11.3.2 Verwendung von Materialien

Die Materialien, mit denen Künstler ihre Kunst im Laufe der Geschichte schaffen, haben im Allgemeinen zum Wert der Arbeit beigetragen. Die Verwendung von Silber oder Elfenbein oder Edelsteinen oder Farbe aus einem seltenen Mineral oder zahlreichen anderen Materialien, die teuer und schwer zu beschaffen sind, erhöhte buchstäblich den Geldwert der produzierten Arbeit. Wenn das Kunstwerk für einen politischen oder religiösen Führer gemacht wurde, stieg der kulturelle Wert des Werks, weil es mit denen von hohem gesellschaftlichem Status in Verbindung gebracht wurde und diesen gehörte. Andererseits wirft die Verwendung von Materialien, die im Widerspruch zu sozialen Werten stehen, Fragen im Kopf des Betrachters auf. Zum Beispiel war und ist Elfenbein ein wünschenswertes Material zum Schnitzen, aber es ist illegal, in den Vereinigten Staaten mit Elefantenelfenbein zu handeln, da afrikanische Elefanten heute eine vom Aussterben bedrohte Art sind.

Damien Hirst (* 1965 in England) begann seine Karriere Ende der 1980er Jahre bei den Young British Artists (YBA). Hirst war zusammen mit anderen in der Gruppe für seine kontroversen Themen und Ansätze in seiner Kunst bekannt. Ein Großteil seiner Kunst von dieser Zeit bis zur Gegenwart befasste sich mit Spiritualität – Hirst wurde katholisch erzogen – und mit dem Tod als Ende und Anfang, als Grenze und als Portal. Eines der Motive, zu denen er im Laufe seiner Karriere zurückgekehrt ist, ist der Schmetterling. Mit seinem transformativen Lebenszyklus, vom Ei über die Raupe über die Puppe bis zum Erwachsenen, dient der Schmetterling Hirst als „universeller Auslöser“. Das heißt, die Symbolik, die mit dem Lebenszyklus des Schmetterlings verbunden ist und von den alten Griechen mit der Psyche oder Seele, von den frühen Christen zur Auferstehung und von vielen bis heute zur Unschuld und Freiheit verbunden wird. ist so tief in das menschliche Bewusstsein eingebettet, dass es dem Betrachter automatisch in den Sinn kommt. In seiner Kunst bilden diese Assoziationen das Fundament, auf dem Hirst aufbaut.

Hirst begann seine Experimente mit Schmetterlingen 1991, als er eine Doppelinstallation und Ausstellung schuf, In und Out of Love (Weiße Gemälde und lebende Schmetterlinge) und In und Out of Love (Schmetterlingsbilder und Aschenbecher) . Beide enthielten lebende Schmetterlinge, die im Verlauf der fünfwöchigen Ausstellung sterben sollten und starben. ( In and Out of Love ) Seine erste Einzelausstellung In and Out of Love bereitete die Bühne für Hirsts Karriere und seinen Ruf als Künstler, der sich mit Definitionen von Kunst auseinandersetzt und den Betrachter dazu anregt, zu erklären, wie Kunst uns hilft, Grenzen zwischen und zu überwinden Schnittpunkte von Leben und Tod, Vernunft und Glauben, Hoffnung und Verzweiflung.

Hirst berührt seine Interessen an Religion und Wissenschaft, einschließlich Lepidopterie, das Studium von Schmetterlingen, und nimmt in den Titeln seiner Kunstwerke häufig biblische Referenzen vor. Er ahmt Aspekte nach, wie Schmetterlinge traditionell in seinen Kompositionen dargestellt wurden. Er begann die Kaleidoskop- Serie im Jahr 2001, wobei er nicht ganze lebende oder tote Schmetterlinge verwendete, sondern nur deren Flügel, was für ihn eine Trennung von der unvermeidlichen Hässlichkeit und Unannehmlichkeit des Lebens – dem haarigen Körper des Schmetterlings – symbolisierte, um nur die flüchtige Schönheit der Flügel zu bewahren und ihre Assoziationen mit dem schnellen Vergehen der Zeit. Das Königreich des Vaters ist ein späteres Werk der Serie aus dem Jahr 2007. ( Königreich des Vaters , Damien Hirst) Der Titel, die kompositorischen Elemente und die Gesamtform der Mixed-Media-Arbeit stehen in direktem Zusammenhang mit der Auseinandersetzung des Künstlers mit der Religion: Wie bei einer Reihe von Arbeiten in der Kaleidoscope- Reihe sieht die Arbeit wie ein Buntglasfenster aus Gotische Kathedralen, die Hirst als Kind faszinierten.

Trotz der großartigen Wirkung ihrer lebendigen Farben, energiegeladenen Kompositionen und des schillernden Lichts lehnen einige Betrachter die von Hirst verwendeten Materialien ab: Die Schönheit und Leuchtkraft wird von Tausenden von getöteten Schmetterlingen abgeleitet, damit ihre Flügel für seine Arbeit verwendet werden können. 2012 veranstaltete die Tate Modern in London eine Retrospektive von Hirsts Kunst, der ersten großen Ausstellung in England, in der Arbeiten aus seiner gesamten Karriere besprochen wurden. Seine 1991er Installation In and Out of Love wurde im Rahmen der Show nachgebaut. ( In und aus Liebe) Einige Kritiker und Tierschützer reichten Beschwerden über die geschätzten 9.000 Schmetterlinge ein, die im Verlauf der dreiundzwanzigwöchigen Veranstaltung starben. Ein Sprecher der Royal Society zur Verhütung von Tierquälerei (RSPCA) erklärte beispielsweise: „Es würde einen nationalen Aufschrei geben, wenn an der Ausstellung ein anderes Tier wie ein Hund beteiligt wäre. Nur weil es Schmetterlinge sind, heißt das nicht, dass sie es nicht verdienen, mit Freundlichkeit behandelt zu werden. “ Die Tate Modern gab eine Erklärung heraus, dass die Schmetterlinge „aus seriösen britischen Schmetterlingshäusern stammen“. Sie verteidigten auch ihre Verwendung als integraler Bestandteil von Hirsts Kunst und erklärten: „Die Themen Leben und Tod sowie Schönheit und Horror werden hervorgehoben, Dualitäten, die in vielen Werken des Künstlers vorherrschen.“

Im Wesentlichen erkannte das Museum zusammen mit vielen anderen Personen und Institutionen im Laufe seiner Karriere die Beschwerden an, akzeptierte jedoch die Handlungen des Künstlers als akzeptablen Teil seines kreativen Prozesses und stellte fest, dass seine künstlerischen Absichten von größerer Bedeutung waren als alle Themen der Moral erhoben. Die Schmetterlinge waren einfach das Mittel zu einem höheren Zweck, seinem Kunstwerk.

11.3.3 Digitale Manipulation

Die digitale Manipulation von Fotos mithilfe von Adobe Photoshop und anderer Computersoftware ist heutzutage so alltäglich, dass sie im Allgemeinen unbemerkt oder kommentarlos bleibt. Die digitale Manipulation wird von Amateur- und Profifotografen gleichermaßen verwendet und kann ein hilfreiches und konstruktives Werkzeug sein. Bei der Manipulation von Fotografien mit dem Ziel, sachliche Informationen zu ändern, wurde jedoch eine ethische Grenze überschritten.

Im Jahr 2006 nahm der freiberufliche Fotograf Adnan Hajj Änderungen an einem Foto der Nachrichtenagentur Reuters Group vor, auf dem Rauch nach einem israelischen Angriff während des Israel-Libanon-Konflikts inmitten von Gebäuden in Beirut aufstieg. ( Die Kontroverse um Adnan Hajj-Fotografien dreht sich um digital manipulierte Fotos. ) Ein Blogger kommentierte, dass das Foto Anzeichen von Manipulation aufwies. Ein Vergleich des unveränderten Fotos links mit dem veröffentlichten Bild rechts zeigt, dass der Rauch offensichtlich dunkler ist. Darüber hinaus zeigt der sich ausbreitende Rauch oben auf dem Foto das verräterische Muster, das als Klonen bekannt istDies zeigt einen digitalen Effekt an, der wiederholt dupliziert wurde. Reuters zog das Foto sofort zurück und gab die Erklärung ab: „Reuters nimmt solche Angelegenheiten äußerst ernst, da es strikt gegen die redaktionelle Richtlinie des Unternehmens verstößt, Bilder zu ändern.“

Die ethische Prämisse ist, dass von Fotojournalisten erwartet wird, dass sie den anerkannten professionellen Verhaltensstandards entsprechen. Tatsächlich hat die National Press Photographers Association einen Ethikkodex aufgestellt, der sich mit dem Problem befasst: „Durch die Bearbeitung sollte die Integrität des Inhalts und des Kontexts der fotografischen Bilder gewahrt bleiben. Manipulieren Sie keine Bilder und fügen Sie keinen Ton hinzu oder ändern Sie ihn auf keine Weise, die den Betrachter irreführen oder Motive falsch darstellen kann. “ Von Bedeutung ist hierbei, dass diese Bilder als Nachrichten sachlich bleiben und die Ereignisse und Menschen wahrheitsgemäß und treu darstellen müssen. Wenn ein Foto mit der Absicht manipuliert wird, den Betrachter zu täuschen, wie dies bei Hajjs Verstärkung des durch einen israelischen Streik gegen die Libanesen verursachten Schadens der Fall war, ändert sich die historische Aufzeichnung. es ist unethisch.

11.3.4 Als Beobachter

Von Fotojournalisten wird erwartet, dass sie den Ethikkodex der National Press Photographers Association (NPPA) nicht nur bei der Manipulation von Nachrichtenbildern, sondern auch bei der Erfassung dieser Bilder befolgen. In Zeiten von Krieg, politischen Unruhen oder Naturkatastrophen können sie sich beispielsweise inmitten von Ereignissen befinden, die sich auf unerwartete und beunruhigende Weise entwickeln. Der Fotojournalist ist ein Beobachter, dessen Aufgabe es ist, die Ereignisse aufzuzeichnen. Sollte der Fotograf als Mitmensch einbezogen werden oder Hilfe anbieten?

1993 fotografierte der Fotojournalist Kevin Carter (1960-1994, Südafrika) ein hungerndes junges Mädchen, das während einer Hungersnot im Sudan von einem Geier beobachtet wurde. ( Geier , Kevin Carter ) Das Foto wurde an die New York Times verkauftund wurde in dieser und zahlreichen anderen Zeitungen weltweit vorgestellt, was enorme Besorgnis über das Schicksal des Kindes und Kommentare zur Ethik des Fotografierens hervorrief, zumal die Szene als Kleinkind beschrieben wurde, das auf dem Weg zu einer Hilfsstation für Lebensmittel zusammengebrochen war . In den Richtlinien des NPPA-Ethikkodex heißt es jedoch: „Während des Fotografierens tragen Motive nicht absichtlich zu Ereignissen bei, verändern sie oder versuchen sie zu verändern oder zu beeinflussen.“ Viele waren jedoch der Ansicht, dass der Fotograf angesichts des Zustands und der Hilflosigkeit des Kindes die Verantwortung hatte, Maßnahmen zu ergreifen.

Laut Carter und Joao Silva, einem Freund und Kameraden, waren die Situation und Carters Reaktionen nuancierter, als es auf dem Foto erscheinen mag. Carter und Silva kamen mit dem Flugzeug im Dorf Ayod an, und das Personal der Vereinten Nationen brachte Proviant in das örtliche Fütterungszentrum. Als sich Frauen und Kinder im Zentrum versammelten, fotografierte Carter sie. Das Kind war ein kurzes Stück entfernt im Busch und näherte sich dem Zentrum nur schwer von alleine. Als Carter zusah, landete der Geier. Wie später im Time Magazine berichtet:

Um den Vogel nicht zu stören, positionierte er sich für das bestmögliche Bild. Er würde später sagen, dass er ungefähr 20 Minuten gewartet hatte, in der Hoffnung, dass der Geier seine Flügel ausbreiten würde. Es war nicht so, und nachdem er seine Fotos gemacht hatte, jagte er den Vogel weg und sah zu, wie das kleine Mädchen seinen Kampf wieder aufnahm. Danach saß er unter einem Baum, zündete sich eine Zigarette an, sprach mit Gott und weinte. „Er war danach depressiv“, erinnert sich Silva. „Er sagte immer wieder, er wolle seine Tochter umarmen.“ ¹

Während Carter dem Kind sonst nicht half, beseitigte er eine Quelle der unmittelbaren Gefahr für sie, indem er den Geier wegwedelte. Er drückte sein Bedauern aus, dass er dem Mädchen und den vielen anderen Opfern, die er während seiner Einsätze sah, nicht weiter helfen konnte und fühlte, dass er es nicht konnte. Das unerbittliche Leiden, das er erlebte, trug zu der Depression bei, der er jahrelang ausgesetzt war. Etwas mehr als ein Jahr nach Veröffentlichung des Fotos des hungernden Kindes erhielt Carter im April 1994 den Pulitzer-Preis für das umstrittene Bild. Eine Woche später wurde Ken Oosterbroek, ein weiterer Freund und Fotojournalist, bei einem gewaltsamen Konflikt getötet, den sie in ihrer Heimat Südafrika fotografierten. Von Trauer, Bedauern, Gräueltaten, die er erlebt hatte, und dem Schmerz, den er empfand, heimgesucht, beging Carter drei Monate später Selbstmord.

11.4 ZENSUR

Das Wort Zensur bringt Ideen hervor, explizite, beleidigende Bilder und schriftliches Material, möglicherweise sexueller oder politischer Natur, oder Berichte über Gewalt zu unterdrücken. Was als prurient oder sakrilegisch oder barbarisch angesehen wird, ist jedoch nicht universell, so dass das, was in einer Ära akzeptabel war, in der nächsten verboten werden kann.

Michelangelo war Bildhauer, Maler und Architekt. Er betrachtete seine skulpturalen und architektonischen Arbeiten als weitaus wichtiger als seine relativ wenigen gemalten Werke. Aber viele kennen ihn heute genauso für die beiden Fresken oder Wandgemälde, die er in der Sixtinischen Kapelle in Rom fertiggestellt hat, wie für die weitaus größere Anzahl von Marmorfiguren und Gebäuden, die er geschaffen hat. Die Kapelle befindet sich in der Residenz des Papstes in der Vatikanstadt, dem Sitz der römisch-katholischen Kirche in Rom. Das erste Fresko, das Michelangelo von 1508 bis 1512 an der 13 Meter langen Decke der Sixtinischen Kapelle gemalt hat, ist eine komplexe Serie von neun Szenen aus dem Buch Genesis, architektonischen Elementen und Figuren. Es war das erste großformatige Gemälde seiner Karriere. Er kehrte zurück, um das Jüngste Gericht zu malenan der Wand hinter dem Altar von 1535 bis 1541. (Abbildung 11.1)